БЛОГ
творческий процесс, новые работы, тексты, выставки, моменты из мастерской
- Ирина Меркуловахудожник
26 февраля 2026
Процесс создания и описание работы "Острота падения" из проекта "В объятиях вакханки"
Сначала это был небольшой набросок, на котором я изобразила силуэт обнаженной, летящей вниз женщины, опутанной несколькими геометрическими фигурами. Позже я дорисовала композицию, сделав ее более плотной и сложной, и написала на большом формате в цвете.
Главный визуальный акцент — контраст острой и плавной форм. Линии женского тела в противоположность строгим линиям треугольников создают напряжение, подчеркивая его хрупкость и еще больше «заостряя» геометрию нескольких треугольников. Композиционно треугольники напоминают битое стекло, это показано и в цвете: часть их написана как полупрозрачные. На первый взгляд это формирует мрачный контекст: женщина разбита и летит вниз.
Ощущение полета, а точнее момента свободного падения передано через изогнутое, перевернутое тело женщины: равновесие полностью потеряно. В качестве временной опоры могли бы выступить треугольники, но женщина не стремится за них ухватиться. Опор она больше не ищет.
Главный визуальный акцент — контраст острой и плавной форм. Линии женского тела в противоположность строгим линиям треугольников создают напряжение, подчеркивая его хрупкость и еще больше «заостряя» геометрию нескольких треугольников. Композиционно треугольники напоминают битое стекло, это показано и в цвете: часть их написана как полупрозрачные. На первый взгляд это формирует мрачный контекст: женщина разбита и летит вниз.
Ощущение полета, а точнее момента свободного падения передано через изогнутое, перевернутое тело женщины: равновесие полностью потеряно. В качестве временной опоры могли бы выступить треугольники, но женщина не стремится за них ухватиться. Опор она больше не ищет.
Примечательно, что треугольников шесть. Расположены они по три с каждой стороны – словно крылья. Это отсылка к фигуре «Шестикрылого Серафима», который был ангелом, а ангелы, как известно, имеют возможность упасть с небес, потому что обладают свободой воли, что делает акт «падения», своего рода, «побочным эффектом» свободы.
Две интерпретации: падение вследствие полностью разбитых опор и сюжет о «падшем ангеле» можно соотнести как форму и содержание соответственно. Тогда «битое стекло» выступает уже не как метафора разрушения, а как обнаружение собственной свободы, приобретенной через падение. Здесь автономия приобретает свободное течение, которое выражено в плавных и витиеватых формах, как будто обволакивающих центральный элемент работы.
В целом, композиция картины имеет неопределенную форму – это попытка лишить зрителя визуальной опоры. Вместе с акцентом на совершенно обнажённом женском теле и остроконечных крыльях в работе продемонстрирован момент пронзительной свободы.
Две интерпретации: падение вследствие полностью разбитых опор и сюжет о «падшем ангеле» можно соотнести как форму и содержание соответственно. Тогда «битое стекло» выступает уже не как метафора разрушения, а как обнаружение собственной свободы, приобретенной через падение. Здесь автономия приобретает свободное течение, которое выражено в плавных и витиеватых формах, как будто обволакивающих центральный элемент работы.
В целом, композиция картины имеет неопределенную форму – это попытка лишить зрителя визуальной опоры. Вместе с акцентом на совершенно обнажённом женском теле и остроконечных крыльях в работе продемонстрирован момент пронзительной свободы.
17 февраля 2026
Стараюсь находить время и не забывать фиксировать разные этапы создания работ. Сначала это кажется рутиной, особенно когда находишься в творческом порыве. Но когда проходит время эти снимки становятся незаменимым сопровождением к работе, позволяющим зрителю стать соучастником ее рождения.
1 февраля 2026
"ОКО" и "БУРЛЯЩЕЕ ОТСУТСТВИЕ"
сравнительный анализ
В монохромной, чёрно-белой графике изображено цветущее растение. Бутон распустился: оттуда выглядывает глаз, рассматривающий свою корневую систему. На ум приходит фраза «зри в корень» – в сюжете этой работы она запечатлена буквально и, по-видимому, означает попытку увидеть собственную суть, иначе говоря, «найти своё начало» или ответить себе «в чём причина меня?». Такая постановка вопроса и погружение в глубокую рефлексию были естественны для моего возраста в 2003 году — мне было всего 19 лет.
Довольно интересен тот факт, что графика стала своего рода предчувствием дальнейших событий в жизни: через полгода после создания этой работы мне нужно было уехать далеко в другой город, в качестве взрослой, самостоятельной единицы. Переезд полностью изменил привычный образ жизни, окружение. Это повлекло за собой обнаружение собственной «вырванности» и «обесточенности», но и возможность начать всё с чистого листа, – стать этим самым «началом» и «причиной» для собственной истории. Такая интерпретация похожа на попытку ответить на вопрос, поставленный изнутри, событиями извне. Но вернее будет обозначить это как усиление актуальности запроса о собственном начале через судьбоносные перемены.
Итак, «Око». Растение с цветком-глазом изображено на чёрном фоне. Белых пятен мало, они словно отвоёвывают и выстаивают своё право у мрачного окружения, образуя резкий контраст, что усиливает драматизм сюжета. Центральное и самое светлое место — глаз, как будто прорвавшийся из темноты, наконец, открылся, увидев перед собой нечто необыкновенное. Момент удивления, когда цветок ещё не понял, что перед ним, но подспудно уже догадался, запечатлен на бумаге.
Техника "Ока" представляет собой пятно и линию. С помощью непрерывного контура формы растения удачно передана замкнутая композиция стебля, концы которого сходятся и смыкаются во взгляде цветка на собственный корень. Очевидно, что перед зрителем изображено кольцо, по круговой траектороии которого блуждает взгляд. И выхода нет, весь рисунок расположен строго в границах листа: он упирается в края, создавая ощущение тесноты и безвыходности.
Довольно интересен тот факт, что графика стала своего рода предчувствием дальнейших событий в жизни: через полгода после создания этой работы мне нужно было уехать далеко в другой город, в качестве взрослой, самостоятельной единицы. Переезд полностью изменил привычный образ жизни, окружение. Это повлекло за собой обнаружение собственной «вырванности» и «обесточенности», но и возможность начать всё с чистого листа, – стать этим самым «началом» и «причиной» для собственной истории. Такая интерпретация похожа на попытку ответить на вопрос, поставленный изнутри, событиями извне. Но вернее будет обозначить это как усиление актуальности запроса о собственном начале через судьбоносные перемены.
Итак, «Око». Растение с цветком-глазом изображено на чёрном фоне. Белых пятен мало, они словно отвоёвывают и выстаивают своё право у мрачного окружения, образуя резкий контраст, что усиливает драматизм сюжета. Центральное и самое светлое место — глаз, как будто прорвавшийся из темноты, наконец, открылся, увидев перед собой нечто необыкновенное. Момент удивления, когда цветок ещё не понял, что перед ним, но подспудно уже догадался, запечатлен на бумаге.
Техника "Ока" представляет собой пятно и линию. С помощью непрерывного контура формы растения удачно передана замкнутая композиция стебля, концы которого сходятся и смыкаются во взгляде цветка на собственный корень. Очевидно, что перед зрителем изображено кольцо, по круговой траектороии которого блуждает взгляд. И выхода нет, весь рисунок расположен строго в границах листа: он упирается в края, создавая ощущение тесноты и безвыходности.
Ответ на вопрос в отношении собственного начала так и не найден, вместо этого возникло обманчивое представление об ответе (корень), что повлекло за собой образование иллюзии более высокого порядка — о собственной целостности. Так, по-видимому, и начинается хождение по кругу — замкнутому кругу рефлексии, который можно назвать "малым кругом", в противовес ницшеанскому вечному возвращению.
Совершенно иную структуру демонстрирует новая работа «Бурлящее отсутствие». Как я уже упомянула, композиционно она словно зеркальное отражение графики "Око", то есть её противоположность. На бумаге изображено не растение, а нечто похожее, – через ботаническую форму демонстрируется метафора для другого представления – взгляда на отсутствие собственного начала. На листе композиция расположена не полностью, а выходящей за границы, что создаёт ощущение движения и длительности.
Техника графики — точечная. Она динамична, в ней много воздуха и ритма, это работает на общее ощущение лёгкости и мягкости. Также точки создают на изображении эффект пены, который поддерживает идею о бурлении, как о процессе перехода от одного состояние в другое, что в целом указывает на идею работы как об изображении границы небытие/бытие, как пульсирующей.
В целом графика не контрастна, она спокойна, размеренна, без резких перепадов и колебаний в тоне и деталях композиции. Ничего не кричит и не «лезет» на передний план, бурление множества маленьких элементов в пределах контура овальной формы, пребывающих словно в колыбели, происходит будто само по себе, без усилий и драмы.
Эта графика абстрактна. Вместо глаза буквального в центральной части изображения – его метафора: глаз теперь не просто смотрит, а видит отсутствие на месте своего начала, – разрыв, размыкание кольца, изображённого ранее в работе «Око». Обнаружение отсутствия влечёт за собой собственную протяжённость в бесконечность, представленную как множество возможностей и вероятностей чего бы то ни было, в виде бесчисленного количества маленьких круглых элементов. Здесь нет целостности, а только бурлящая потенция.
Совершенно иную структуру демонстрирует новая работа «Бурлящее отсутствие». Как я уже упомянула, композиционно она словно зеркальное отражение графики "Око", то есть её противоположность. На бумаге изображено не растение, а нечто похожее, – через ботаническую форму демонстрируется метафора для другого представления – взгляда на отсутствие собственного начала. На листе композиция расположена не полностью, а выходящей за границы, что создаёт ощущение движения и длительности.
Техника графики — точечная. Она динамична, в ней много воздуха и ритма, это работает на общее ощущение лёгкости и мягкости. Также точки создают на изображении эффект пены, который поддерживает идею о бурлении, как о процессе перехода от одного состояние в другое, что в целом указывает на идею работы как об изображении границы небытие/бытие, как пульсирующей.
В целом графика не контрастна, она спокойна, размеренна, без резких перепадов и колебаний в тоне и деталях композиции. Ничего не кричит и не «лезет» на передний план, бурление множества маленьких элементов в пределах контура овальной формы, пребывающих словно в колыбели, происходит будто само по себе, без усилий и драмы.
Эта графика абстрактна. Вместо глаза буквального в центральной части изображения – его метафора: глаз теперь не просто смотрит, а видит отсутствие на месте своего начала, – разрыв, размыкание кольца, изображённого ранее в работе «Око». Обнаружение отсутствия влечёт за собой собственную протяжённость в бесконечность, представленную как множество возможностей и вероятностей чего бы то ни было, в виде бесчисленного количества маленьких круглых элементов. Здесь нет целостности, а только бурлящая потенция.
10 января 2026
#вмастерской
28 декабря 2025
CLOUD DANCER 2026
Цветом 2026 года Pantone назвал «Cloud Dancer» (облачный танцор или танцор в облаках). Выбор цвета в данном случае является не просто указанием на направление цветовой палитры в модной индустрии, а определением направления социального настроения в будущем году или выявлением уже наличествующего в обществе, но пока не очевидного. Организация PANTONE задаёт концептуальный вектор — цвет, в соответствии с направлением которого рекомендуется выстраивать творческий процесс, исходя из символического и эмоционального измерения предлагаемого оттенка, при создании новых произведений в разных областях, как правило в креативной индустрии (мода, дизайн, реклама, искусство и т.д.). Рекомендуемый цвет задаёт символическую рамку, эмоциональное напряжение и систему означающих через ассоциации, метафоры, его историю и т.д.
Что можно сказать о цвете «Облачный танцор»? Прежде всего это нейтральный цвет — облачный белый. Белый — в теории цвета Гёте (феноменология цвета) — это не цвет, а свет. Это некий исходник, своего рода «белый лист». Начало, потенция для остальных цветов — это оптимистичная нота.
В теории Ньютона белый цвет — это результат смешения всех остальных цветов спектра. С этой точки зрения белый ассоциируется с «белым шумом»: результатом плотного смешения разнообразий, которых так много, что они перестают восприниматься как множество. Здесь можно провести параллель с усталостью от информационного фона, перегруженностью событий и новостей в интернет-среде и повседневности. На усталость также указывает не чистый белый, а серовато-белый — в версии цвета «Облачный белый». Серый цвет — цвет пассивный, безразличный, скучный (Гёте); также это нейтральная точка на ахроматической оси (Геринг, оппонентная теория) — эту нейтральность можно определить как «не то, не сё» (не чёрный и не белый). Также это не нулевая точка на оси, но не как отсутствие, а как нахождение «между» — точка потенциального выбора, но пока паузы и ожидания, с точки зрения динамики. «Облачный белый» находится ближе к белому, поэтому выбор как будто уже сделан, точка нейтральности смещена, но это всё про свет. Цвет так и остаётся нейтральным.
Далее, серый — это белый с пониженной яркостью (Ньютон, физика цвета); в такой интерпретации серовато-белый — не пассивный или скучный, а умеренный, сдержанный, скромный — не «кричащий». И всё-таки «облачный» — не серый цвет, а серовато-белый — это белый + немного серого, словно выраженное в цвете выражение: «в бочке мёда ложка дёгтя», что указывает на будто чем-то омрачённое светлое будущее, которое прогнозируют небезоблачным — здесь указание на пессимистическую ноту.
Особо стоит обратить внимание на название рекомендуемого цвета — «Облачный танцор». Указание на «облачный» демонстрирует воображаемую картину небес. Воздушные и пушистые облака — свобода — мягкая и уютная, ничем не омрачённая, будто не отвоёванная, а полученная как подарок.
Что можно сказать о цвете «Облачный танцор»? Прежде всего это нейтральный цвет — облачный белый. Белый — в теории цвета Гёте (феноменология цвета) — это не цвет, а свет. Это некий исходник, своего рода «белый лист». Начало, потенция для остальных цветов — это оптимистичная нота.
В теории Ньютона белый цвет — это результат смешения всех остальных цветов спектра. С этой точки зрения белый ассоциируется с «белым шумом»: результатом плотного смешения разнообразий, которых так много, что они перестают восприниматься как множество. Здесь можно провести параллель с усталостью от информационного фона, перегруженностью событий и новостей в интернет-среде и повседневности. На усталость также указывает не чистый белый, а серовато-белый — в версии цвета «Облачный белый». Серый цвет — цвет пассивный, безразличный, скучный (Гёте); также это нейтральная точка на ахроматической оси (Геринг, оппонентная теория) — эту нейтральность можно определить как «не то, не сё» (не чёрный и не белый). Также это не нулевая точка на оси, но не как отсутствие, а как нахождение «между» — точка потенциального выбора, но пока паузы и ожидания, с точки зрения динамики. «Облачный белый» находится ближе к белому, поэтому выбор как будто уже сделан, точка нейтральности смещена, но это всё про свет. Цвет так и остаётся нейтральным.
Далее, серый — это белый с пониженной яркостью (Ньютон, физика цвета); в такой интерпретации серовато-белый — не пассивный или скучный, а умеренный, сдержанный, скромный — не «кричащий». И всё-таки «облачный» — не серый цвет, а серовато-белый — это белый + немного серого, словно выраженное в цвете выражение: «в бочке мёда ложка дёгтя», что указывает на будто чем-то омрачённое светлое будущее, которое прогнозируют небезоблачным — здесь указание на пессимистическую ноту.
Особо стоит обратить внимание на название рекомендуемого цвета — «Облачный танцор». Указание на «облачный» демонстрирует воображаемую картину небес. Воздушные и пушистые облака — свобода — мягкая и уютная, ничем не омрачённая, будто не отвоёванная, а полученная как подарок.
Эта свобода, словно потусторонняя — та, что возникает не в результате преодоления трудностей, а ухода от них, другими словами — побег в иллюзии; танец в этом случае выражает вынужденную беспечную позицию; лёгкость — как снятие ответственности за последствия, причиной которой ты не являешься. Можно подумать, что облака — это что-то про полёт, но если так, то — невозможный, так как во время густой облачности не летают. Тем не менее, и не запрет на полёт, а вынужденное ожидание (Геринг) в состоянии умеренности и спокойствия (Гёте), что возможно при доверии происходящему. Но на чём основано такое доверие? Может быть, оно возможно только благодаря затуманиванию разума? («заоблачиванию»)
И всё же, вместо полёта PANTONE предлагает танец, но «облачный». В современной действительности определение «облачный» ассоциируется с облачными хранилищами в интернете. Это место, пространство, где можно хранить информацию, и хотя в одной из интерпретаций этот цвет может указывать на общую усталость от информационного шума, тем не менее такая усталость становится неотъемлемой частью жизни каждого человека, в результате чего можно представить «голову в облаках», что тоже порождает множество сопутствующих представлений — от «тумана в голове» до возможности человеческого разума дотянуться до небес, пусть даже пока «смутных». Хотя смутность может быть связана с невозможностью разглядеть будущее в силу ограниченности представлений о нём. В условиях тотальной усталости танец выглядит странно и скорее напоминает танец пациента в психиатрической клинике, для которого безмятежность, наступившая после усталости, — не добродетель, а диагноз. С другой стороны, танец — творческий процесс, способ самовыражения; тогда информационный шум и большие объёмы данных (облачные хранилища) возможно предложены как материал для креатива.
Вообще, я бы охарактеризовала такую цветовую рекомендацию как оптимистическую, указывающую на возможность паузы за счёт сдержанности и скромности. Но пауза не как состояние «замирания», а как динамичный процесс (танец), с целью извлечь из мирового «шума» потенциал для работы.
Также указание на умеренность — возможность обнаружения избыточности в разных сферах жизни, в общем, и, видимо, с целью приведения в порядок своего эмоционального состояния, в частности.
Цвет «Облачный танцор» я бы обозначила как экзальтированный аскетизм. Страсть в танце с умеренностью. Речь идёт, конечно, о самодисциплине.
И всё же, вместо полёта PANTONE предлагает танец, но «облачный». В современной действительности определение «облачный» ассоциируется с облачными хранилищами в интернете. Это место, пространство, где можно хранить информацию, и хотя в одной из интерпретаций этот цвет может указывать на общую усталость от информационного шума, тем не менее такая усталость становится неотъемлемой частью жизни каждого человека, в результате чего можно представить «голову в облаках», что тоже порождает множество сопутствующих представлений — от «тумана в голове» до возможности человеческого разума дотянуться до небес, пусть даже пока «смутных». Хотя смутность может быть связана с невозможностью разглядеть будущее в силу ограниченности представлений о нём. В условиях тотальной усталости танец выглядит странно и скорее напоминает танец пациента в психиатрической клинике, для которого безмятежность, наступившая после усталости, — не добродетель, а диагноз. С другой стороны, танец — творческий процесс, способ самовыражения; тогда информационный шум и большие объёмы данных (облачные хранилища) возможно предложены как материал для креатива.
Вообще, я бы охарактеризовала такую цветовую рекомендацию как оптимистическую, указывающую на возможность паузы за счёт сдержанности и скромности. Но пауза не как состояние «замирания», а как динамичный процесс (танец), с целью извлечь из мирового «шума» потенциал для работы.
Также указание на умеренность — возможность обнаружения избыточности в разных сферах жизни, в общем, и, видимо, с целью приведения в порядок своего эмоционального состояния, в частности.
Цвет «Облачный танцор» я бы обозначила как экзальтированный аскетизм. Страсть в танце с умеренностью. Речь идёт, конечно, о самодисциплине.
22 декабря 2025
Новая выставка графики о невидимом центре внимания. О том, что вызывает взгляд, но не дает себя разглядеть.
3 декабря 2025
Когда изящная графика встречается с брутальной индустриальной эстетикой, на фоне классической архитектуры — рождается контраст, демонстрирующий свободу мысли.
на визуализации представлены работы "Заинтересованное безразличие" и "Крылатая полнота" из серии "Сердце летучей рыбы"
21 ноября 2025
"ПЛАНЕТА ИНОЙ НЕВОЗМОЖНОСТИ" - мой новый проект о невозможной встрече; не из-за отсутствия встречи как некой точки в месте пересечения географических, временных и фатальных траекторий, а по причине радикального несовпадения способов существования.
30 ноября 2025
Пространство, в котором создаётся интерьер, становится общим эстетическим измерением для различных объектов.
Априори пребывая в поле эстетики, мне интересно создавать условия для пересечения функций этих объектов — утилитарной, принадлежащей дизайну, и символической, принадлежащей произведению искусства.
ИИ здесь - не автор, а соавтор спекулятивной визуализации.
на визуализации представлена работа "Мыльный пузырь" из серии "Рандомный субъект"
17 сентября 2025
Готова вторая глава "Книги которая сама себя написала"
17 сентября 2025
О графике
"Меланхолия", гравюра, Дюрер, 1514г.
Однажды я увидела репродукцию гравюры Дюрера «Меланхолия». Было это в далеком детстве. Тогда, мне отчетливо стала видна красота монохромного изображения. В тот судьбоносный момент, я получила доступ к пониманию, что благодаря такому способу рисования, художник способен выразить особое состояние, впоследствии, получившее черты отдельного вида искусства, которое, на мой взгляд, познается преимущественно ментально. Будучи еще совсем ребёнком, я рассматривала «Меланхолию» и, будто понимала, что то, что хотел передать Дюрер, можно было выразить только одним - отсутствием цвета. Чёрно-белая графика стала для меня меланхолическим искусством. Оно погружает в состояние, когда эмоции и чувства постепенно исчезают, а мысли становятся чётче. Ты словно абстрагируешься от всего суетного, а взгляд на мир становится беспристрастным. Время останавливается и мир застывает. Цвета постепенно тускнеют и исчезают. В какой-то момент обнажается ментальная конструкция мира. В ней нет чувств и эмоций. Есть только очертания и тени предметов, указывающие на них. Это некий мировой скелет, на который потом насаживаются цветовые пятна. И чувство, в отношении всего это действа, только одно - очарование линией.
10 сентября 2025
Дорогие друзья!
Рада сообщить вам, что сегодня я открыла интернет-магазин, в котором можно приобрести мои произведения искусства! Работы, представленные там, готовы к продаже и я сделала все возможное, чтобы покупка и доставка были максимально удобными для вас.
Добро пожаловать!
3 сентября 2025
Визуализация картины "Эхо спутанности" в паре с элегантной консолью – прекрасным примером биоморфной эстетики от Michael Sean Stolworthy, USA
на визуализации представлена работа "Эхо спутанности" из серии "Избыточная неопределённость"
20 августа 2025
Новая работа "Колыбель"
Бумага, гелевая ручка
21х30см
2025
14 августа 2025
"Книга, которая сама себя написала" — это метафора метафоры или книга без автора, роман без сюжета, сюжет без персонажа, место без времени, время без события, событие без деталей, детали без контекста, контекст без контекста.
"Книга, которая сама себя написала" - это литературный проект, реализация которого будет происходить на ваших глазах, то есть онлайн. Каждый месяц, плюс-минус, я буду выкладывать новую главу будущего романа. Возможно, это будет происходить и чаще; об обновлениях я непременно буду сообщать.
Художественный прием, используемый при написании текста, я бы охарактеризовала как "поток сознания", состоящий из вырванных из контекста обрывков воспоминаний, попыток осмыслить происходящее, размышлений о разном, возмущений, впечатлений, беспорядочно перетекающих в текст, воспроизводя при этом определенный ритм и создавая ощущение блуждания в собственных снах, на что также указывает своеобразно выстроенная логика предложений, нарочно создающая сюрреалистические образы.
2 августа 2025
На днях вернулась из Китая. Провела несколько дней в Гуанчжоу, провинции Гуандун. Контонские друзья тепло встретили меня предложением освоить китайскую традиционную живопись, подарив для этого все необходиимое: акварельные краски, набор для занятий китайской калиграфией. В Китае очень заботливый и внимательный народ, понимающий важность культурного обмена. Изучить эту страну не хватит целой жизни. Это огромная страна. Каждая провинция имеет свои культурные особенности и язык, да и вообще Китай очень разный, очень насыщенный древнейшей историей и современными технологиями. Сегодняшний Китай поражает воображение. Какой большой путь они прошли, чтобы иметь то, что есть у них сейчас. А ведь совсем недавно, все было иначе. Об этом повествует фильм "Поколение романтиков" Цзя Чжанкэ. Прекрасный образец авторского кино, показывающий культурный срез страны величиной с одно поколение. Рекомендую к просмотру.
кадр из фильма "Поколение романтиков" Цзя Чжанкэ
9 июля 2025
Добро пожаловать на мою новую онлайн выставку!
В этот раз я разместила не только готовые живописные работы, но и эскизы, рабочие рисунки и графику, связанные с темой "Избыточная неопределенность".
25 мая 2025
Новая серия работ "Дождь из меланхоликов".
Меланхолия как ощущение свободного падения, разлетевшейся на множество частей самости: каждая из которых остается живой, но закрытой от холодного мира, которая еще надеется согреться собственным, но уже бесцветным огнем.
Меланхолия как ощущение свободного падения, разлетевшейся на множество частей самости: каждая из которых остается живой, но закрытой от холодного мира, которая еще надеется согреться собственным, но уже бесцветным огнем.
18 мая 2025
Проект "Два черных куба" был представлен в Elohovskiy Gallery в 2023 году.
Его задачей было сделать зрителя активным участником творческого процесса с помощью текстов #заметкамиизбессознательного, которые не дают читателю возможности распознать их смысл, перемещая его поиски с сферу собственного воображения.
14 мая 2025
Новые работы! Серия "Четыре причины падения", графика, 2025
7 мая 2025
Где я выставляюсь сейчас: Bagratuni Art Gallery
FLOARTFAST 2025, жанровый фестиваль
01.05.25-25.05.25
На выставке представлены 5 моих работ
Художественная галерея Багратуни, Москва, Автозаводская 18, Центр искусств "АРТ Коробка"
1 апреля 2025
Микки Маус как объект и среда
Микки Маус стал героем мультфильмов Диснея и универсальным символом праздника, детства и радости для людей во всем мире. Образ доброго мышонка представлен публике как аспект человеческого существования, выраженный в ничем не омраченной наивности, радостной беспечности, дружелюбии и безрассудной смелости. Микки Маус живет в идеализированном мире, похожем на праздник. Пригласив на него зрителя, мультяшный герой будто обещает долгожданный подарок, который может быть чем угодно, но непременно несущим радость и надежду. Природная доброта Микки непоколебима ничем, словно он сам становится подарком нескольким поколениям людей, в виде анимированного персонажа, зовущего в мир сказочного волшебства. Являясь символом американской поп-культуры, образ мышонка распространился далеко за пределы США, оставаясь неотъемлемым атрибутом большинства праздников и фотосессий, прочно закрепив за собой визуальные паттерны собственного стиля. При этом, являясь мега популярным персонажем в массовой культуре, добрый мышонок также отважно перенес ее сложные преобразования, оказавшись в искусстве постмодерна. Пройдя проверку на прочность в эпоху деконструкции, образ Микки остался в новом смысловом контексте культуры, сохранив характерные визуальные черты, что означает приобретение Микки Маусом серьезного статуса - классики. В современности образ мышонка с круглыми ушами удачно стилизуется и используется во всевозможных контекстных средах не теряя отсылки к прототипу. Теперь образ Микки пребывает в виде вещей всевозможного уровня утилитарного функционала: от обуви до произведения современного искусства. Персонажу, который стал культурным достоянием, не страшно забвение. Пустота, образовавшаяся на месте исчезнувших, популярных в прошлом героев, не задевает Микки. Даже с их отсутсвием "на теле истории" мышонок смог подружиться.
25 марта 2025
Новое!
Серия "В условиях высокой энтропии", 2025 г.
25 марта 2025
Описание работы "Ласточка"
«Ласточка» Ирина Меркулова Пространство, напоминающее пустую комнату с окном, представлено как своеобразная метафора двух положений, в которых пребывает субъект - внутреннего и внешнего. Комната - сам субъект, за окном - мир.
В оконном проеме висит нечто, похожее на тюль. По цвету и форме геометрических плоскостей работа носит тревожный
характер. В линиях чувствуется напряжение. Серый тон транслирует
упадок духа и мрачное настроение. Стены метафорической комнаты неуютно холодны, а
темные плоскости теней давят. Из этого помещения хочется выбраться.
Если абстрагироваться и не погружаться в сковывающую атмосферу изображаемого, в тенях тюли начинает проступать образ, который постепенно становится узнаваем. Знакомый силуэт неуловимо вплетен в символическое поле и покоится на стыке внутреннего и внешнего, формируя смысловое измерение, упраздняющее образовавшуюся безвыходность. Три темные геометрические фигуры выстроены изображая ласточку, устремившуюся прочь. Черные два крыла и
хвост предстают перед зрителем в новом ключе.
Ласточка - символ обновления, каждую весну возвращаясь домой маленькая птичка запускает очередной жизненный цикл. Обнаружив это, упаднический тон работы приобретает позитивный оттенок. Теперь безрадостная действительность невозможности освободиться из гнетущей скованности стен, сменяется обнаружением способности расширять собственное пространство до мира, в котором обитает ласточка - неба и земли.
В оконном проеме висит нечто, похожее на тюль. По цвету и форме геометрических плоскостей работа носит тревожный
характер. В линиях чувствуется напряжение. Серый тон транслирует
упадок духа и мрачное настроение. Стены метафорической комнаты неуютно холодны, а
темные плоскости теней давят. Из этого помещения хочется выбраться.
Если абстрагироваться и не погружаться в сковывающую атмосферу изображаемого, в тенях тюли начинает проступать образ, который постепенно становится узнаваем. Знакомый силуэт неуловимо вплетен в символическое поле и покоится на стыке внутреннего и внешнего, формируя смысловое измерение, упраздняющее образовавшуюся безвыходность. Три темные геометрические фигуры выстроены изображая ласточку, устремившуюся прочь. Черные два крыла и
хвост предстают перед зрителем в новом ключе.
Ласточка - символ обновления, каждую весну возвращаясь домой маленькая птичка запускает очередной жизненный цикл. Обнаружив это, упаднический тон работы приобретает позитивный оттенок. Теперь безрадостная действительность невозможности освободиться из гнетущей скованности стен, сменяется обнаружением способности расширять собственное пространство до мира, в котором обитает ласточка - неба и земли.
25 марта 2025
Фильм «Партенопа», Паоло Соррентино, 2024 год
Обворожительный, неторопливый и атмосферный фильм. Размеренный и спокойный, но плотный по содержанию, сложный в переплетении главной сюжетной линии с метафорами и сюрреалистическими образами, которые усиливают тонкие оттенки скрываемого смысла. Невозможно с первого раза сказать о чем это кино. Довольно много символических измерений ловко вплетены в сюжет. Такое возможно только в одном случае - если у всего происходящего есть нечто общее. И в фильме это не главная героиня, как кажется на первый взгляд, а вопрос который она задает. «Что такое антропология?». Или, грубо говоря «что такое человек».
Итак, режиссер показывает две основные судьбы: брата и сестры - Партенопы и Раймондо. Я обозначила их как два противоположных вектора: к жизни и к смерти. Партенопа рождена в море. Ее жизненный путь направлен из морской стихии в будущее (Неаполь) и символизирован подарком - золотой каретой, в которой она как королева начинает путешествие в будущее. Единственное что омрачает праздник жизни - это вопрос Партенопы на грани отчаяния - что такое жизнь и она в ней? В то же время, брат Раймондо омрачен тем, что Партенопа, в которую он безнадежно влюблен, совершенно свободна в своей печали. Печаль эта сопряжена с невыносимой для него раскрепощенностью, справится с которой он не в состоянии. Его вопрос - кто для него Партенопа? В конце концов, Раймондо совершает самоубийство, отправившись обратно в море, двигаясь в противоположном от Партенопы направлении: из жизни в морские глубины. В это время, впервые появляется карета Раймондо - на собственной похоронной церемонии, и символизирует последний путь. Похороны брата совпадают с возвращением в город эпидемии холеры, признаки которой обнаружились сразу после его смерти. Вернувшись в море брат запустил патологический процесс. В водной стихии рождаются, но не умирают. Появление холеры, также символизирует чувство вины возникшее как реакция на самоубийство Раймондо. Вина словно эпидемия заражает его близких, превращая в живых мертвецов.
О холере, Партенопа впервые упоминает на пикнике с демонстративно состоятельным ухажером, незадолго до смерти брата. Она отказывается от мидий, которые предлагает отведать богач и сообщает, что они стали когда-то причиной распространения холеры в Неаполе. Но отказывается она не только ужинать.
Итак, режиссер показывает две основные судьбы: брата и сестры - Партенопы и Раймондо. Я обозначила их как два противоположных вектора: к жизни и к смерти. Партенопа рождена в море. Ее жизненный путь направлен из морской стихии в будущее (Неаполь) и символизирован подарком - золотой каретой, в которой она как королева начинает путешествие в будущее. Единственное что омрачает праздник жизни - это вопрос Партенопы на грани отчаяния - что такое жизнь и она в ней? В то же время, брат Раймондо омрачен тем, что Партенопа, в которую он безнадежно влюблен, совершенно свободна в своей печали. Печаль эта сопряжена с невыносимой для него раскрепощенностью, справится с которой он не в состоянии. Его вопрос - кто для него Партенопа? В конце концов, Раймондо совершает самоубийство, отправившись обратно в море, двигаясь в противоположном от Партенопы направлении: из жизни в морские глубины. В это время, впервые появляется карета Раймондо - на собственной похоронной церемонии, и символизирует последний путь. Похороны брата совпадают с возвращением в город эпидемии холеры, признаки которой обнаружились сразу после его смерти. Вернувшись в море брат запустил патологический процесс. В водной стихии рождаются, но не умирают. Появление холеры, также символизирует чувство вины возникшее как реакция на самоубийство Раймондо. Вина словно эпидемия заражает его близких, превращая в живых мертвецов.
О холере, Партенопа впервые упоминает на пикнике с демонстративно состоятельным ухажером, незадолго до смерти брата. Она отказывается от мидий, которые предлагает отведать богач и сообщает, что они стали когда-то причиной распространения холеры в Неаполе. Но отказывается она не только ужинать.
Она отказывает мужчине во всем, не боясь показаться невежливой. Понимает, что эта связь противоречит ей, не содержит тайны, отвратительно банальна и заразительно опасна, если последовать в этом направлении.
Партенопа всегда выходит ИЗ моря, откликаясь на зов, источник которого - будоражащая неизвестность. Ею движет вопрос, которым, в том числе, является она сама, и ответить на него она не спешит. И если Партенопа заранее знает к чему ведет событийность и чем закончится, то исчезает. Вопрос формирует ее судьбу и трансформирует отчаяние, затмевающее радость жизни. Брат Раймондо, в свою очередь, словно получает ответ на свой вопрос, но не в силах с ним справиться. Пребывая в полной безысходности он меняет траекторию жизненного пути на противоположную - в морскую воду, результатом чего становится смерть, вина и холера. Что же он понял? На это указывают два момента. В одном из диалогов, Партенопа озвучивает причину самоубийства брата как то, что «он перепутал несущественное с наиважнейшим», продолжая свою мысль о молодой любви, которая ничего не стоит.
Похоже, Партенопа считает что Раймондо был в плену своих иллюзий. Далее, в одном из сюжетов, католический священник, о котором отзываются как о дьяволе говорит, что «те, кто знает неизъяснимое умирают молодыми и одинокими», здесь режиссер указывает на Раймондо, вводя версию о том, что он понял что-то действительно важное, подразумевая некую истину. Партенопа говорит о тотальной иллюзии; священник о тотальной правде или истине. Истина, которую ищет Партенопа, возможно стала доступна брату слишком рано, оказавшись для него смертоносной. А возможно тотальная иллюзия, как непризнание уже проступившей истины его погубила. Что же стало причиной смерти Раймондо так и осталась неизвестным. Ответ на свой главный вопрос Партенопа получает спустя много лет, когда становится к этому готова. Знание того, что же она из себя представляет было с ней с самого рождения, нужно было просто это увидеть.
Партенопа всегда выходит ИЗ моря, откликаясь на зов, источник которого - будоражащая неизвестность. Ею движет вопрос, которым, в том числе, является она сама, и ответить на него она не спешит. И если Партенопа заранее знает к чему ведет событийность и чем закончится, то исчезает. Вопрос формирует ее судьбу и трансформирует отчаяние, затмевающее радость жизни. Брат Раймондо, в свою очередь, словно получает ответ на свой вопрос, но не в силах с ним справиться. Пребывая в полной безысходности он меняет траекторию жизненного пути на противоположную - в морскую воду, результатом чего становится смерть, вина и холера. Что же он понял? На это указывают два момента. В одном из диалогов, Партенопа озвучивает причину самоубийства брата как то, что «он перепутал несущественное с наиважнейшим», продолжая свою мысль о молодой любви, которая ничего не стоит.
Похоже, Партенопа считает что Раймондо был в плену своих иллюзий. Далее, в одном из сюжетов, католический священник, о котором отзываются как о дьяволе говорит, что «те, кто знает неизъяснимое умирают молодыми и одинокими», здесь режиссер указывает на Раймондо, вводя версию о том, что он понял что-то действительно важное, подразумевая некую истину. Партенопа говорит о тотальной иллюзии; священник о тотальной правде или истине. Истина, которую ищет Партенопа, возможно стала доступна брату слишком рано, оказавшись для него смертоносной. А возможно тотальная иллюзия, как непризнание уже проступившей истины его погубила. Что же стало причиной смерти Раймондо так и осталась неизвестным. Ответ на свой главный вопрос Партенопа получает спустя много лет, когда становится к этому готова. Знание того, что же она из себя представляет было с ней с самого рождения, нужно было просто это увидеть.
13 декабря 2024
Новая онлайн выставка графики "Сердце летучей рыбы" уже опубликована!
Название «Сердце летучей рыбы» сообщает о том, что на работах проиллюстрирован образ переживания бытия как...
21 ноября 2024
Фильм Джима Джармуша "Пределы контроля" 2009
Эта картина считается не самой удачной в творчестве режиссера. Но на мой взгляд – это лучшая его работа, довольно насыщенная для анализа в совершенно разных дискурсах и наполненная множеством измерений, от которых, при просмотре, создается впечатление понимания происходящего, но совершенная растерянность в каком месте и на каком уровне находится это понимание и в чем оно заключается. Чтобы разбирать подробно этот фильм с психоаналитической точки зрения или какой-либо другой, нужно много текста и картинок – оставлю это для возможных новых постов об этой картине. Но, все же, выдерну из событийного поля этого фильма один момент и оставлю здесь. В первой трети временного отрезка этого кино, персонаж, на котором сфокусировано внимание, и он же главный герой приходит несколько раз в музей и, просматривая картины, останавливается напротив одной из них и задумчиво смотрит на нее. Место встречи главного героя и сюжета картины происходит сразу. Он узнает изображаемое и отправляется в мир, где встречает этот же сюжет, но в другой форме и на другой сцене - в виде события повседневности. Здесь разворачивание истории происходит от объекта искусства.
Далее, режиссер показывает, как главный герой наблюдает с высокого балкона городской пейзаж красивейшего города - Барселоны. И этот пейзаж перемещается на холст и предстает в виде изображения на картине. И на следующем кадре герой стоит перед этим пейзажем, но уже в музее. Здесь события разворачиваются уже в обратном направлении - из мира в музей. Две диаметрально противоположные сцены показывают динамику разворачивания истории главного героя - сначала он следует за миром, далее мир следует за ним. И да, можно сказать, что это та же пресловутая история, о том, что герой не какой-то там чушпан, не тварь дрожащая, а право имеющий. Эта тема укладывается в сюжет фильма, если рассматривать ее в гегелевском дискурсе раба и господина. И миф о Тесее тоже прослеживается, нитью Ариадны которого является в данном фильме что? Воображение. Воображение не как фантазирование и отлет от реальности в неведомые дали, а как творческий импульс, рождающийся в месте встречи героя и мира. Так что же влияет на героя? Мир или он влияет на него? Видимо эта диалектика и формирует события по пути героя к своей цели. Или пределу?
11 июля 2024
Фильм «Начало» Глеба Панфилова с Инной Чуриковой в главной роли
Сюжетная линия представлена двумя параллельными историями: про Жанну Д Арк однажды испытавшую Божье благословение и девушку Прасковью, влюбившуюся с первого взгляда в молодого человека, пригласившего ее на танец, однажды, на одном из музыкальных вечеров. Что же объединяет эти две истории, кроме того, что Прасковье предложили роль Жанны Д Арк, как молодой актрисе, с необычной внешностью и харизмой?
В фильме показана история Жанны Д Арк в ее мифологизировнанном виде: о девушке, которой двигала любовь к Франции и желание освободить ее от английского господства. Зов сердца молодой девы представлен как видение ей архангела Михаила, святой Маргариты и святой Екатерины призывающие помочь спасти Францию.
Не беря в расчет сложности с возможностью реализации этой идеи, Жанна доходит до самого дофина Шарля, убедив его в своей преданности и избранности.
В фильме показана история Жанны Д Арк в ее мифологизировнанном виде: о девушке, которой двигала любовь к Франции и желание освободить ее от английского господства. Зов сердца молодой девы представлен как видение ей архангела Михаила, святой Маргариты и святой Екатерины призывающие помочь спасти Францию.
Не беря в расчет сложности с возможностью реализации этой идеи, Жанна доходит до самого дофина Шарля, убедив его в своей преданности и избранности.
Другая сюжетная линия - Прасковья, объектом любви которой становится женатый и имеющий дочь молодой мужчина. Захваченная чувствами Прасковья опускает формальные и моральные условности связанные с институтом брака. Все нормы приличия ею попраны и она оставляет мужчину жить у себя. Ее желание направлено на спасение любимого от несчастного и бессмысленного существования с подавляющей и «погубившей» его женщиной, то есть женой. Но за любимого Прасковьи вступает в борьбу и его супруга, не желающая терять статус замужней и лишать дочь отца, несмотря на чисто формальное существование брака.
Обе главные героини: Жанна и Прасковья, вступают в борьбу за свою любовь и любимый объект, находящийся в осажденном состоянии. Обе терпят неудачу, но не отступают от любви. Поражение влечет за собой последствия для обеих девушек. Победившая сторона объявляет Жанну Д Арк - еретичкой, а Прасковью - дурой.
Обе главные героини: Жанна и Прасковья, вступают в борьбу за свою любовь и любимый объект, находящийся в осажденном состоянии. Обе терпят неудачу, но не отступают от любви. Поражение влечет за собой последствия для обеих девушек. Победившая сторона объявляет Жанну Д Арк - еретичкой, а Прасковью - дурой.
19 июня 2024
Интерпретация скульптуры Камиллы Клодель "Волна"
Театр Академии танца Бориса Эйфмана имеет в своем репертуаре постановку современного балета «Роден, ее вечный идол». Пластикой тела в экспрессивном танце повествуется история любви великого скульптора Родена и его талантливой ученицы Камиллы Клодель.
Связь двух гениев на стыке 19 и 20 веков стала вдохновением для Родена и роковой для Камиллы. И все же она оставила небольшое творческое наследие, признанное как высокое искусство, а также прослежено сильное влияние, которое она оказала на своего возлюбленного. Долгое время после смерти Камиллы ее имя пребывало в забвении, но в 2017 году в городке Ножан-сюр-Сен открылся музей Камиллы Клодель. В нем расположена крупнейшая публичная коллекция ее работ в мире. Также это был первый музей во Франции, посвященный женщине-художнице.
Одна из знаковых и лучших ее работ - скульптура "Волна" из оникса и бронзы, 1897 года. Произведение необычно тем, что в камне показана водная стихия как главный композиционный элемент. Как правило, в то время в скульптуре изображали людей: их лучшие ракурсы, движения, черты, все что можно передать через пластику человеческого тела. В этой же скульптуре волна, вздымающаяся высоко вверх, словно запечатленная в секунде до падения вниз на три маленькие женские фигуры, находящиеся прямо под ней.
Связь двух гениев на стыке 19 и 20 веков стала вдохновением для Родена и роковой для Камиллы. И все же она оставила небольшое творческое наследие, признанное как высокое искусство, а также прослежено сильное влияние, которое она оказала на своего возлюбленного. Долгое время после смерти Камиллы ее имя пребывало в забвении, но в 2017 году в городке Ножан-сюр-Сен открылся музей Камиллы Клодель. В нем расположена крупнейшая публичная коллекция ее работ в мире. Также это был первый музей во Франции, посвященный женщине-художнице.
Одна из знаковых и лучших ее работ - скульптура "Волна" из оникса и бронзы, 1897 года. Произведение необычно тем, что в камне показана водная стихия как главный композиционный элемент. Как правило, в то время в скульптуре изображали людей: их лучшие ракурсы, движения, черты, все что можно передать через пластику человеческого тела. В этой же скульптуре волна, вздымающаяся высоко вверх, словно запечатленная в секунде до падения вниз на три маленькие женские фигуры, находящиеся прямо под ней.
Волна по сравнению с девушками большая и мощная, противостоять которой невозможно, что и показано в их движении: девушки пригнулись, увидев ее над собой, ожидая обрушения воды на себя. Разглядывая три женские фигурки, взявшиеся за руки, невольно вспоминаешь про трех граций из греческой мифологии - символе изящества, прелести и красоты, дарующих творческое вдохновение художникам. Как те, что изображены на картине "Весна" Боттичелли. Но с большой разницей.
Грации Камиллы неспокойны. Они напуганы и в ожидании неизбежности, а главное, двое из них не держатся за руки. Цельное кольцо из соединившихся рук девушек, как символ единства и гармонии, разомкнуто в этой скульптуре. В это образовавшееся пространство, в эту разорванность, с большой силой устремляется хаос, представленный как водная стихия. Два элемента скульптуры - размыкание рук и большая волна - словно связаны между собой. Как если бы это была утрата возможности взаимодействия с хаосом посредством искусства, творческого вдохновения, поиска гармонии в форме и смысле.
Действительно, в биографии Камиллы эта скульптура была создана в сложный период жизни и стала своего рода предчувствием надвигающейся беды. Через какое-то время Камилле Клодель потребовалась психиатрическая помощь, и ее поместили в больницу, в которой она пробыла очень долго. После помутнения рассудка она не создала ни одного произведения.
Грации Камиллы неспокойны. Они напуганы и в ожидании неизбежности, а главное, двое из них не держатся за руки. Цельное кольцо из соединившихся рук девушек, как символ единства и гармонии, разомкнуто в этой скульптуре. В это образовавшееся пространство, в эту разорванность, с большой силой устремляется хаос, представленный как водная стихия. Два элемента скульптуры - размыкание рук и большая волна - словно связаны между собой. Как если бы это была утрата возможности взаимодействия с хаосом посредством искусства, творческого вдохновения, поиска гармонии в форме и смысле.
Действительно, в биографии Камиллы эта скульптура была создана в сложный период жизни и стала своего рода предчувствием надвигающейся беды. Через какое-то время Камилле Клодель потребовалась психиатрическая помощь, и ее поместили в больницу, в которой она пробыла очень долго. После помутнения рассудка она не создала ни одного произведения.
29 мая 2024
Кафка "Превращение"
Франц Кафка мастер придать абсурду еще более абсурдную форму, не теряя при этом логики повествования, которая парадоксальна по своей сути. Все это выражено в ничем не ограниченных воображаемых образах и сюжетах и приправлено трагедией человеческого существования в виде невозможности выбраться из одиночества, на которое обречен человек с самого рождения. Остановлюсь на двух произведениях: «Превращение» и «Замок». А точнее, на их экранизациях.
«Превращение» Фокина с Евгением Мироновым в главной роли, лучше смотреть после прочтения книги. Многие детали опущены в силу демонстрации видения как режиссера и рассмотрения трагедии главного персонажа, как иллюстрацию душевного недуга, о котором герой не состоянии ничего поведать, так как пораженный им не имеет возможности воспользоваться речью или чем либо еще, чтобы вступить в коммуникацию с близкими людьми. А все потому что он стал насекомым. От душевнобольного его отличает то, что он все понимает, но не может ни рассказать об этом и ни показать. От насекомого - он слышит и видит что происходит вокруг. С насекомым он похож, но не является таковым.
Но, где же настоящее насекомое? Неочевидное, скрытое, присутствующее между делом, между строк. Его то и предстоит отыскать самостоятельно, в книге или кино.
«Замок» Балабанова является лучшей экранизацией романа Кафки. Мастерски передана атмосфера мрачного идиотизма в сочетании со средневековой эстетикой и иронией писателя. Шикарное стильное кино.
«Превращение» Фокина с Евгением Мироновым в главной роли, лучше смотреть после прочтения книги. Многие детали опущены в силу демонстрации видения как режиссера и рассмотрения трагедии главного персонажа, как иллюстрацию душевного недуга, о котором герой не состоянии ничего поведать, так как пораженный им не имеет возможности воспользоваться речью или чем либо еще, чтобы вступить в коммуникацию с близкими людьми. А все потому что он стал насекомым. От душевнобольного его отличает то, что он все понимает, но не может ни рассказать об этом и ни показать. От насекомого - он слышит и видит что происходит вокруг. С насекомым он похож, но не является таковым.
Но, где же настоящее насекомое? Неочевидное, скрытое, присутствующее между делом, между строк. Его то и предстоит отыскать самостоятельно, в книге или кино.
«Замок» Балабанова является лучшей экранизацией романа Кафки. Мастерски передана атмосфера мрачного идиотизма в сочетании со средневековой эстетикой и иронией писателя. Шикарное стильное кино.
21 мая 2024
#книгомания
Роман о девушке, проживающей в американской провинции. Собственно, сам сюжет ничем особо не примечателен. Проблемы, с которыми сталкиваются персонажи, знакомы до такой степени, что обязательно найдётся собственное мнение: что делать, как реагировать и как поступить. И это скользкий путь, по которому, видимо, писатель отправляет своего читателя, ожидая его "триумфального" возвращения: уставшего, отчаявшегося найти выход, вывалянного в пыли и грязи, частично забывшего, на поиски чего он отправился, испытывающего только одну радость - что ему удалось вернуться, а это просто книга.
Вместе со спектром неприятных эмоций, в основе которых лежит безысходность, появляется невероятная злость на главную героиню - Люси. И не потому, что читатель так и не дождался, что она выберется из вязкого болота «несправедливости», в котором постепенно оказалась по причине той же несправедливости, а потому, что его самого в него засосало во время безнадёжных попыток мысленно отговорить героиню «причинять добро» окружающим, в надежде, что она сама об этом догадается.
Это история о девушке, которая считает себя хорошей. Но главная героиня пошла дальше, она не просто так думала, она начала действовать. Роман — трагедия.
Вместе со спектром неприятных эмоций, в основе которых лежит безысходность, появляется невероятная злость на главную героиню - Люси. И не потому, что читатель так и не дождался, что она выберется из вязкого болота «несправедливости», в котором постепенно оказалась по причине той же несправедливости, а потому, что его самого в него засосало во время безнадёжных попыток мысленно отговорить героиню «причинять добро» окружающим, в надежде, что она сама об этом догадается.
Это история о девушке, которая считает себя хорошей. Но главная героиня пошла дальше, она не просто так думала, она начала действовать. Роман — трагедия.
21 мая 2024
Совы Босха
Есть на работах Иеронима Босха, будь то живопись или графика, одна любопытная деталь, которая ставит смотрящего на его картины в положение довольно неудобное, смятённое. Зритель Босха - разглядывающий, ведь искусство это состоит из преимущественно маленьких деталей и сложных элементов, задающих визуальный и смысловой ритм изображаемого. Пристально разглядывая порой довольно жуткие сюжетные линии, возникает впечатление, что разглядывают и тебя тоже. Присутствие наблюдателя хорошо считывается в распознавании удовольствия от увиденного на картине, от которого, по идее, надо бы прийти в ужас. Но нет. Зрителю нравится то, что он видит, но пытается это скрыть. Кто-то рядом замечает выброс эндорфинов от погружения в тему сладострастия и грехопадения.
Вовлёкшись окончательно в соблазнительный мир, в который Иероним предложил заглянуть, и практически в забытьи блуждая по саду наслаждений, зритель вдруг натыкается на персонажа, взирающего прямо на него. Вот тут, в точке неожиданной встречи двух взглядов, и поймал художник своего зрителя «за хвост». Подловил его, наслаждающегося. Сцена поимки разглядывающего человеческие пороки с наслаждением и пытающегося это скрыть, сконструирована посредством стороннего наблюдателя — совы. От неё-то и скрывается зритель.
Обнаружение скрываемого производит наслаждение, но и сокрытие обнаруженного служит его продуцированию.
Сова неочевидно присутствует на всех работах Босха. Её взгляд направлен либо на зрителя, либо на развернувшийся сюжет, показываемый художником. И в том и другом случае сова смотрит на вас, либо как на того, кто находится за пределами картины, либо как на уже участвующего в изображаемых событиях. Это всё одна сцена.
Почему именно сова и что она символизирует - это другая, не менее интересная тема, раскрывающая новые грани искусства Иеронима.
Вовлёкшись окончательно в соблазнительный мир, в который Иероним предложил заглянуть, и практически в забытьи блуждая по саду наслаждений, зритель вдруг натыкается на персонажа, взирающего прямо на него. Вот тут, в точке неожиданной встречи двух взглядов, и поймал художник своего зрителя «за хвост». Подловил его, наслаждающегося. Сцена поимки разглядывающего человеческие пороки с наслаждением и пытающегося это скрыть, сконструирована посредством стороннего наблюдателя — совы. От неё-то и скрывается зритель.
Обнаружение скрываемого производит наслаждение, но и сокрытие обнаруженного служит его продуцированию.
Сова неочевидно присутствует на всех работах Босха. Её взгляд направлен либо на зрителя, либо на развернувшийся сюжет, показываемый художником. И в том и другом случае сова смотрит на вас, либо как на того, кто находится за пределами картины, либо как на уже участвующего в изображаемых событиях. Это всё одна сцена.
Почему именно сова и что она символизирует - это другая, не менее интересная тема, раскрывающая новые грани искусства Иеронима.
30 апреля 2024
«После прочтения сжечь», братья Коэн, 2008
Сюжет фильма представляет собой театр абсурда на серьезных щах. Это как раз тот фильм, который привлекает собой с одной стороны, очевидной наивностью и даже глупостью героев, думающих о себе слишком хорошо. И сложносоставной сюжетной линией, с другой, в которой высокое мнение о себе персонажей сталкивается с «серьезными делами», рождая сильные событийные спецэффекты и заставляя мозг зрителя интенсивно думать и анализировать, чтобы не упустить нить повествования и выстроить причинно-следственные связи в разворачиваемой истории, претендующей на серьезную и значимую.
При этом всем чувствуется густой флер идиотизма, в котором сам зритель тоже становится идиотом при малейшем скатывании своего восприятия в трясину абсурда чуть только начинает сочувствовать героям или пытаться вписать происходящее в какую-нибудь логику. Все эти эффекты поиска мало-мальски устойчивой позиции в попытках понять что же все таки происходит, вызывают смех, в первую очередь над самим собой.
Но веселье это все же омрачено осознанием фатальных последствий непонимания. И квинтэссенция фильма - фраза двух персонажей в конце.
- «Дело закрыто. Теперь необходимо сделать все возможное чтобы этого больше не произошло.»
- «Чего этого? ?? »
При этом всем чувствуется густой флер идиотизма, в котором сам зритель тоже становится идиотом при малейшем скатывании своего восприятия в трясину абсурда чуть только начинает сочувствовать героям или пытаться вписать происходящее в какую-нибудь логику. Все эти эффекты поиска мало-мальски устойчивой позиции в попытках понять что же все таки происходит, вызывают смех, в первую очередь над самим собой.
Но веселье это все же омрачено осознанием фатальных последствий непонимания. И квинтэссенция фильма - фраза двух персонажей в конце.
- «Дело закрыто. Теперь необходимо сделать все возможное чтобы этого больше не произошло.»
- «Чего этого? ?? »
21 апреля 2024
повесть «Двойник»
Ф. Достоевский
В повести «Двойник» Достоевский погружает читателя в мир душевнобольного человека. Рассказчик довольно нудно и растянуто описывает происходящее в жизни и в голове своего персонажа. Мыслительная «жвачка» главного героя, постоянное застревание на обдумывании отношения к себе окружающих, непрекращающийся диалог с самим собой о чистоте своих помыслов, благородстве души и высокой нравственности. Вся эта беспрерывная болтовня постепенно увлекает за собой, возникает ощущение, что должно произойти нечто, способное покончить с дурной бесконечностью. Это ожидание так и пребывает на уровне ощущения до конца произведения, оставив читателя с надеждой на здравый смысл в дураках.
Помимо описания трагедии душевнобольного человека, произведение имеет яркий ироничный тон. Высмеивая тем самым не сам недуг, а показывая его как симптом болезни общества. Главный герой настолько серьезно относится к самому себе, к своему «светлому образу», старается все делать «правильно», что постепенно становится комичным. Достоевский затрагивает и другие животрепещущие темы, вводя в сюжетную линию параллели, актуальные, как для того времени, так и являющиеся классическими в социальной и культурной жизни.
Помимо описания трагедии душевнобольного человека, произведение имеет яркий ироничный тон. Высмеивая тем самым не сам недуг, а показывая его как симптом болезни общества. Главный герой настолько серьезно относится к самому себе, к своему «светлому образу», старается все делать «правильно», что постепенно становится комичным. Достоевский затрагивает и другие животрепещущие темы, вводя в сюжетную линию параллели, актуальные, как для того времени, так и являющиеся классическими в социальной и культурной жизни.
12 апреля 2024
Скульптура Сальвадора Дали "Материнство"
Скульптура Сальвадора Дали "Материнство" находится в частной коллекции Павла Башмакова в Санкт-Петербурге и увидеть её можно в Bashmakov Gallery.
Скульптура представляет собой женский торс, на первый взгляд, обёрнутый тканью, застёгнутой на левом плече золотой застёжкой, что отсылает к одежде римских военных, которые носили полудаментум - плащ, цвет которого указывал на их чин. Пурпурный означал принадлежность к высшим военачальникам. Характерно, что скульптура Дали тоже имеет этот оттенок. Здесь возможна перекличка статусов мужского и женского в социальной жизни, как материнство и военные достижения и выравнивания их по значимости.
Композиционно центральным элементом в скульптуре является золотое "созвездие" женской груди. Оно словно проступает изнутри женского тела, показывая сопряжение двух измерений — груди на поверхности, и яйцеклеток внутри него. В то же время грудь разная по размеру, по краям меньше, в центре - больше, что задаёт динамику её появления, нарастания и созревания. В образе материнства будто сокращено время биологического существования женского плодородия, от появления яйцеклеток до груди, кормящей младенца. Изображена женская форма множественности, предполагающая беспрерывность возникновения и обновления. Центральная часть выполнена из золота, указывая на её ценность. С золотом можно провести параллель как с "наградой". Вся "грудь в грудях" или вся грудь в орденах.
Тема плодородия, также считывается в образе грозди винограда. Весь праздник возникновения и вскармливания новой жизни увенчивает золотая деталь в виде стекающих часов - излюбленным образом Дали. Часы, как сперматозоид, готовы проникнуть в область созревшей смоковницы, и всё, что остаётся - это ждать, на что указывают стрелки часов. Также они напоминают о временности женского биологического начала, в противовес которому, поставлена другая постоянная величина, символизирующая образ циферблата — память.
Скульптура представляет собой женский торс, на первый взгляд, обёрнутый тканью, застёгнутой на левом плече золотой застёжкой, что отсылает к одежде римских военных, которые носили полудаментум - плащ, цвет которого указывал на их чин. Пурпурный означал принадлежность к высшим военачальникам. Характерно, что скульптура Дали тоже имеет этот оттенок. Здесь возможна перекличка статусов мужского и женского в социальной жизни, как материнство и военные достижения и выравнивания их по значимости.
Композиционно центральным элементом в скульптуре является золотое "созвездие" женской груди. Оно словно проступает изнутри женского тела, показывая сопряжение двух измерений — груди на поверхности, и яйцеклеток внутри него. В то же время грудь разная по размеру, по краям меньше, в центре - больше, что задаёт динамику её появления, нарастания и созревания. В образе материнства будто сокращено время биологического существования женского плодородия, от появления яйцеклеток до груди, кормящей младенца. Изображена женская форма множественности, предполагающая беспрерывность возникновения и обновления. Центральная часть выполнена из золота, указывая на её ценность. С золотом можно провести параллель как с "наградой". Вся "грудь в грудях" или вся грудь в орденах.
Тема плодородия, также считывается в образе грозди винограда. Весь праздник возникновения и вскармливания новой жизни увенчивает золотая деталь в виде стекающих часов - излюбленным образом Дали. Часы, как сперматозоид, готовы проникнуть в область созревшей смоковницы, и всё, что остаётся - это ждать, на что указывают стрелки часов. Также они напоминают о временности женского биологического начала, в противовес которому, поставлена другая постоянная величина, символизирующая образ циферблата — память.
5 апреля 2024
Обнаженная муза
Прошлой осенью в небольшом и милом кинотеатре "Англетер" в самом центре Санкт-Петербурга, показали фильм французского режиссёра Мартена Прово "Обнажённая муза" (2023).
Это ироничная и довольно сложная история любви, последнего из импрессионистов, Пьера Боннара и Марты (Мари Бутсен). Для тех, кто интересуется западноевропейским искусством начала 20 века это фильм-удовольствие. Примечательно, что Боннар был выдающимся колористом, и режиссёр последовал за героем, создав красочные и живые кадры. В этом кино нет многочисленных историй из богемной тусовки того времени, о роскоши вседозволенности, изысканных интеллектуальных беседах. Режиссёр сделал акцент на бытовой стороне жизни художника, на сценах повседневности. И это не случайно. Боннар был человеком скромным в быту, но смелым и открытым в передаче эротического измерения через наблюдение за обнажённой девушкой дома.
Это ироничная и довольно сложная история любви, последнего из импрессионистов, Пьера Боннара и Марты (Мари Бутсен). Для тех, кто интересуется западноевропейским искусством начала 20 века это фильм-удовольствие. Примечательно, что Боннар был выдающимся колористом, и режиссёр последовал за героем, создав красочные и живые кадры. В этом кино нет многочисленных историй из богемной тусовки того времени, о роскоши вседозволенности, изысканных интеллектуальных беседах. Режиссёр сделал акцент на бытовой стороне жизни художника, на сценах повседневности. И это не случайно. Боннар был человеком скромным в быту, но смелым и открытым в передаче эротического измерения через наблюдение за обнажённой девушкой дома.
Дерзким в создании цветовых сочетаний, не оставляющий зрителей равнодушными. Марта, его любимая женщина, очень любила природу и была проста в своей непосредственной чувственности. Пряма в высказывании мыслей и предана миру, где много деревьев, цветов; дому на берегу реки, где она с наслаждением плавала обнажённой. Эта наполненная жизнью повседневность женщины, насквозь пропитанная эротикой, по-видимому, так покорила Боннара. Он писал её в обычных бытовых сценах, любимая из которых это Марта, принимающая ванну. В ней словно в колыбели художник изображал музу множество раз.
Фильм довольно лёгкий, но оставляет впечатление, что схвачено нечто важное в этой истории. Неуловимой и неочевидной для многих ценностью обладала любимая женщина художника — Марта.
Работы Пьера Боннара есть в России. Они представлены в Пушкинском музее в Москве на выставке западноевропейского искусства начала 20 века. Также большая коллекция есть в Эрмитаже.
Фильм довольно лёгкий, но оставляет впечатление, что схвачено нечто важное в этой истории. Неуловимой и неочевидной для многих ценностью обладала любимая женщина художника — Марта.
Работы Пьера Боннара есть в России. Они представлены в Пушкинском музее в Москве на выставке западноевропейского искусства начала 20 века. Также большая коллекция есть в Эрмитаже.
27 марта 2024
Битва Клавиров
Органная музыка Баха - это нечто совершенно особенное. Мелодия исходящая из этого странного, похожего на предмет мебели или огромную шкатулку инструмента, воздействует на меня умиротворяющие. Звук глубокий, погружающий в плотную атмосферу прошлого, но не гнетущий, не мрачный. Он уверенно подхватывает, постепенно разбирает душу на мелкие частички и потом соединяет всё вместе, но уже по-своему. И в этом, новом, тщательно собранном состоянии чувствуется глубокое спокойствие. Живое. В этой безмятежно трепещущей живости ещё острее ощущается несуразность и кривизна, пребывавшие в душе до музыкальной переборки. Слушая Баха для органа, не происходит экзальтированных подъёмов в возвышенную сферу. Всё разворачивается в горизонтальной плоскости. В музыке старинного инструмента и благозвучной мелодии Баха, душа, как морская волна, растекается в разные стороны, сама из себя. И, возвращаясь, приносит с собой множество драгоценностей, принесённых со дна океана.
Другое дело — музыка Бетховена. На этом концерте произведения композиторов противопоставлены друг другу. Бах - про глубокую духовную сторону жизни через внутреннее созерцание, умиротворение и погружение. Бетховен - про пребывание в повседневности, суете, счастливымих и трагичных моментах и бешеной скоростью, с которой всё это проносится. Бах - органная музыка. Бетховен — фортепиано. В этих двух оппозициях нет противоречия. Они дополняют друг друга и выражают разные бытийные измерения, представляющие собой сложную человеческую душу.
Другое дело — музыка Бетховена. На этом концерте произведения композиторов противопоставлены друг другу. Бах - про глубокую духовную сторону жизни через внутреннее созерцание, умиротворение и погружение. Бетховен - про пребывание в повседневности, суете, счастливымих и трагичных моментах и бешеной скоростью, с которой всё это проносится. Бах - органная музыка. Бетховен — фортепиано. В этих двух оппозициях нет противоречия. Они дополняют друг друга и выражают разные бытийные измерения, представляющие собой сложную человеческую душу.
20 марта 2024
Новая онлайн выставка уже на сайте!
17 марта 2024
Альфред Шнитке
В малом зале филармонии им. Шостаковича 14 марта состоялся гала-концерт, посвящённый 90 летию со дня рождения выдающегося композитора Альфреда Шнитке. От первой части я была в восторге. Не заметила, как пролетело время. Музыка унесла меня в мир образов, которые постоянно подводили меня к краю пропасти и в то же время не давали в неё провалиться.
В этом характерный почерк музыки Шнитке - балансировать между полным хаосом и тем местом, где гармония ещё присутствует, путь уже в неуловимой и сложной форме. Накал произведений невероятно высок, все ноты будто разваливаются друг за другом, но парадоксальным образом этот развал происходит по определённому сценарию. Это, на мой взгляд, особый тип гармонии, способный нагнетать и аккумулировать большое количество энергии, создавая музыкальный драйв, на грани провала. Молодая и хрупкая пианистка, в элегантном платье из сатина, цвета слоновой кости, готова была в какой-то момент разорвать рояль на куски голыми руками.
Дирижер - молодой мужчина с шикарной копной волос, развивающихся вслед за взмахом палочки, производил впечатление человека, пытающегося справится с необузданной стихией. Вся сцена исполнения музыки оркестром, словно была призвана выпустить в мир нечто сильное, непознаваемое, противоречивое и такое сложное.
В этом характерный почерк музыки Шнитке - балансировать между полным хаосом и тем местом, где гармония ещё присутствует, путь уже в неуловимой и сложной форме. Накал произведений невероятно высок, все ноты будто разваливаются друг за другом, но парадоксальным образом этот развал происходит по определённому сценарию. Это, на мой взгляд, особый тип гармонии, способный нагнетать и аккумулировать большое количество энергии, создавая музыкальный драйв, на грани провала. Молодая и хрупкая пианистка, в элегантном платье из сатина, цвета слоновой кости, готова была в какой-то момент разорвать рояль на куски голыми руками.
Дирижер - молодой мужчина с шикарной копной волос, развивающихся вслед за взмахом палочки, производил впечатление человека, пытающегося справится с необузданной стихией. Вся сцена исполнения музыки оркестром, словно была призвана выпустить в мир нечто сильное, непознаваемое, противоречивое и такое сложное.